Pintura Española

DOS JOYAS DE BILBAO (2/2) LOS «GOYA» DEL MUSEO DE BELLAS ARTES

Hace meses, estuve trabajando unos días en Bilbao y Getxo, y descubrí dos joyas desconocidas para mi. La arquitectura de Manuel María Smith y las pinturas de Goya en el Museo Municipal de Bellas Artes.

El Museo de Bellas Artes de Bilbao es uno de los más importantes de España, en lo que se refiere a pintura del S XIX y S XX. Entre sus muchas obras, tenía dos «goyas» famosos. Son los retratos de Martín Zapater y de Leandro Fernández de Moratín. Ambos, amigos personales de Goya, eran ilustrados y formaban parte de los círculos reformistas de la monarquía borbónica.

RETRATO DE MARTÍN ZAPATER

Goya. Martín Zapater. 1797

Martín Zapater era un rico comerciante aragonés de ideas ilustradas. Reunió una fortuna, con sus negocios de arrendamientos de tierras y préstamos al Ayuntamiento de Zaragoza y otras instituciones. Fue impulsor de la muchas instituciones ilustradas de Aragón: Sociedad Económica Aragonesa de Amigos del País, Real Academia de Bellas Artes de San Luis, Jardín Botánico y Teatro de Zaragoza. También tuvo una activa vida política: fue diputado del Común y Regidor del Ayuntamiento de Zaragoza y ennoblecido por Carlos IV.

Muy amigo de Goya, Zapater fue retratado por él dos veces. Uno de los cuadros es de 1790 y está en Puerto Rico. El segundo es el del Museo de Bilbao y es de 1797.

RETRATO DE LEANDRO F. MORATÍN

Goya. Leandro Fernández de Moratín. 1824

Leandro Fernández de Moratín fue un dramaturgo y poeta. Es más relevante comediógrafo neoclásico del S XVIII. Algunas de sus comedias, como «El Sí de las Niñas» o «La Comedia Nueva» rompieron los moldes del acartonado teatro tradicional español, importando modelos literarios y planteamientos sociales franceses.

Moratín era de noble familia asturiana. Pronto entró a formar parte de los círculos políticos ilustrados y reformistas, de la mano de su compatriota Jovellanos y, más tarde, del aragonés Gabarrús, también mentor de Goya. Moviéndose ambos en los círculos ilustrados y reformistas de Madrid, pronto fueron amigos.

Goya retrató a su amigo en dos ocasiones. Esta es la segunda, cuando eran compañeros en el exilio. Gracias a las cartas que el dramaturgo enviaba a Melón conocemos muchas noticias de los últimos años de la vida de Goya en Burdeos. del S XVIII

En este segundo retrato, Moratín aparece con todo el realismo de la última etapa de Goya. Tiene el aspecto de un hombre de edad. No es ya el joven escritor de éxito del primer retrato. Goya empleó tonalidades oscuras. El autor viste un batín informal y no lleva corbata. Destaca, en cambio, el blanco intenso de la camisa; junto al rosado de la piel, contrasta sobre el fondo del cuadro.

Goya. Antonio Adán de Yarza. 1788

LOS NUEVOS GOYA. LA FAMILIA ADÁN DE YARZA

En mi última visita, descubrí que se habían añadido otros tres «goyas» a los dos tradicionales. Son los retratos que pintó Francisco de Goya de tres miembros de la familia Adán de Yarza, vizcaína de Lekeitio. Representan a Bernarda Tavira, su hijo Antonio Adán de Yarza y la esposa de éste María Ramona de Barbachano. 

Antonio Adán de Yarza y Taviria fue un aristócrata y rentista y prestigioso político ilustrado vizcaíno, muy influyente en el señorío de Vizcaya en la época de Carlos IV y durante la invasión napoleónica.  Fue hijo de Fernando Adán de Yarza y Bernarda de Tavira. Por herencia familiar era Preboste y Alférez Mayor Perpetuo de las merindades de Busturia y Zornotza.

Goya. Ramona Mª de Barbachano. 1788

En 1787 se casó con Ramona María de Barbachano, perteneciente a una de las familias de comerciantes más destacadas del Bilbao de finales del XVIII. Adán de Yarza residía en la villa desde 1784 y desarrolló un notable interés por actividades culturales: fue miembro de la Real Sociedad Bascongada de Amigos del País y promotor del primer teatro de Bilbao. 

También fue un activo político liberal en el Bilbao del cambio de siglo. Fue miembro del Ayuntamiento y llegó a alcalde en 1808. Tras la Guerra de Independencia, fue sancionado por su actitud pro francesa y no volvió a la política hasta el Trienio Liberal, cuando fe elegido regidor del Ayuntamiento de Bilbao, de nuevo.  Fue diputado en las Juntas Generales de Vizcaya en 1799, 1800, 1808 y 1833. 

Se cree que Goya pintó los tres retratos en Madrid hacia 1787, año en que Antonio y María Ramona se casaron. Goya entonces, pintor de cámara del rey, tenía una intensa actividad retratística.

Goya. Bernarda de Tavira. 1788

Los Adán de Yarza instalaron los tres cuadros en el Palacio de Zubieta, la casa solariega que la familia tiene en Lekeitio. Permanecieron en manos de la familia y en los salones de Zubieta desde 1794 hasta el estallido de la Guerra Civil.

En 1936, el Gobierno Vasco tomó la iniciativa de recoger las colecciones artísticas y después evacuarlas a Francia. De acuerdo con los descendientes de los Adán de Yarza, el Gobierno trasladó los tres “goyas” al País Vasco francés. En 2017 se trasladaron, por acuerdo de la familia y el gobierno vasco, al Museo de Bellas Artes de Bilbao.

DOS COLECCIONES DE PINTURA EN DOS CIUDADES (1/2) PALACIO DE LIRIA, EN MADRID

Dos grandes colecciones particulares de pintura, en las dos grandes ciudades españolas, Madrid y Barcelona. Dos colecciones bien distintas, por sus propietarios, su ubicación y su contenido.

El Palacio de Liria es la residencia de los Duques de Alba en Madrid y principal sede de su colección de arte y archivo histórico.

El Palacio es un imponente edificio neoclásico del S XVIII, cerca del Palacio Real, bordeando el casco antiguo de Madrid. Es la mayor mansión privada de Madrid, sólo superada por el Palacio Real. Aunque inspirado en éste, difiere bastante: fue diseñado según los nuevos gustos franceses del S XVIII, en vez de imitar la arquitectura de estilo italiano de los Reales Sitios.

El Palacio de Liria contiene una de las mayores colecciones privadas de tesoros artísticos y bibliográficos de España. Es imposible hacer una mínima descripción de sus pinturas, en el espacio de un post. Así que sólo citaré algunas obras.

PINTURAS RENACENTISTAS Y BARROCAS ITALIANAS Y FLAMENCAS

La colección incluye destacadísimas pinturas renacentistas y barrocas, normalmente de pintores originarios de territorios dominados por la Corona de España: italianos, flamencos, españoles.

Entre los italianos, Tiziano está representado con retratos del Duque de Urbino y del Duque de Alba y con una Última Cena, parecida a la del mismo pintor, que se encuentra en el Museo del Prado.

Tiziano Vecellio. Última cena. 1550

Tiziano pintó a los reyes y otras personalidades españolas, con frecuencia, e influyó especialmente en la pintura barroca española y flamenca. El III Duque de Alba, D. Fernando Álvarez de Toledo fue pintado por Tiziano, en varios retratos. El Palacio conserva copias de dos de ellos, pintadas por ilustres artistas flamencos, muy relacionados con la corte española.

La primera copia de Tiziano es del flamenco Antonio Moro, que tanto influyó con su realismo y su elegancia contenida en la pintura de Velázquez y demás barrocos españoles de su generación. También Peter Paul Rubens copió un retrato del Duque de Alba por Tiziano.

Moro no es el único pintor flamenco del Palacio de Liria.

La colección tiene varias pinturas de Peter Paul Rubens. Incluye el retrato del Duque de Alba, ya citado, y una copia del famoso doble retrato del Emperador Carlos V y la Emperatriz Isabel de Tiziano. También cuelga en la colección un paisaje llamado «Camino al mercado», que conecta la tradición pictórica flamenca con la naciente pintura holandesa.

Peter Paul Rubens. Camino del mercado. 1630

PINTURA BARROCA ESPAÑOLA. EL SIGLO DE ORO

La colección del Palacio tiene destacadas pinturas del Renacimiento manierista y del Barroco españoles, culminando en Velázquez. Son retratos y obras religiosas.

Diego Velázqueez. Infanta Margarita. 1654

Diego Velázquez es autor del retrato de la Infanta Margarita, aunque ciertos críticos dudan de la autoría. Se trataría del retrato de la infanta, enviado a su tío y futuro esposo, el Emperador Leopoldo I.

El Palacio tiene otros cuadros famosos del Siglo de Oro español: entre ellos, uno religioso del renacentista manierista Doménikos Theotokópoulos El Greco, y dos «retratos» barrocos, uno del Canónigo Miranda, de la última época de Bartolomé Murillo y otro de Sto. Domingo de la primera fase de Francisco Zurbarán.

También cuelgan en el Palacio varios paisajes holandeses: Van de Velde. Ruysdael. Van Goyen.

PINTURA MODERNA ESPAÑOLA. DE GOYA A VÁZQUEZ DÍAZ

La colección tiene también muy conocidas obras de los S XVIII y XIX / XX. Normalmente, de pintores españoles. También hay pinturas europeas, tanto barrocas como neoclásicas. Entre ellas, un autorretrato de Mengs, puente entre el neoclasicismo y el romanticismo, y modelo del primer Goya.

Antonio Rafael Mengs. Autorretrato. 1760

Dos famosísimos retratos de cuerpo entero de Francisco de Goya ocupan una habitación. Frente a frente, en los dos extremos de la enorme sala, el retrato de la Duquesa de Alba y el de la Marquesa de Lazán.

Los duques de Alba fueron grandes mecenas del pintor aragonés, junto con otros aristócratas ilustrados y la Duquesa posó para él en varios cuadros. La Marquesa de Lazán pertenecía a una de las familias aristocráticas e ilustradas, típicas en el Reino de Aragón, muy influyentes en la Corte de Carlos III y Carlos IV.

Varios de los más famosos pintores españoles de fines del S XIX y principios del S XX retrataron a miembros de la familia Alba.

Retrataron a Jacobo Fitz-James Stuart, XVII Duque de Alba algunos de los pintores más importantes del primer tercio del S XX. El valenciano Joaquín Sorolla o el vasco Ignacio Zuloaga, que también pintó a la Duquesa o Daniel Vázquez Díaz, cuyo cuadro está en la Academia de la Historia.

Ignacio Zuloaga. Cayatena Fitz James Stuart. Duquesa de Montoro. 1930

Llama la atención un retrato ecuestre de su sucesora, Cayetana Fitz-James Stuart, a los tres años de edad, pintado por Zuloaga; monta un pony y la rodean mascotas y juguetes y un muñeco de Mickey Mouse.

LA PEDRERA. EXPOSICIÓN DE PINTURA ABSTRACTA ESPAÑOLA

Otoño de 2022. Visitamos “Los caminos de la Abstracción (1957-1978)” en la Pedrera: exposición de obras del Museo de Arte Abstracto de Cuenca, en una colaboración de la Fundació La Pedrera con la Fundación Juan March. 

Una gran muestra que muestra las conexiones entre artistas españoles como Eduardo Chillida, Manolo Millares, Antoni Tàpies, Antonio Saura, Rafael Canogar, Pablo Palazuelo o José Guerrero y la influencia que recibieron de grandes pintores abstractos internacionales, como Mark Rothko, Willem de Kooning, Hans Hartung, Jean Dubuffet, o Jackson Pollock.

La exposición presenta 70 obras que reflejan las diferentes formas que adoptó la abstracción durante la segunda mitad del siglo XX, como el informalismo y el expresionismo abstracto, la abstracción lírica y gestual, la abstracción geométrica, el arte cinético o la pintura de campos de color.

El arte español en el contexto europeo y estadounidense

La exposición se divide en ámbitos, distinguiendo las formas en que se desarrolló la pintura abstracta de España, en los años 50, 60 y 70. 

Jackson Pollock. Plata sobre negro blanco amarillo y rojo. 1948. Centre Pompidou. París

Las primeras salas muestran el arte dominante en Europa y en Estados Unidos (Jean Dubufet o Jackson Pollock) y su influencia en los pintores españoles.

Jean Dubuffet. Mesa asidua compañera. 1953. Moderna Museet. Estocolmo

A pesar de que España estaba en una dictadura, el régimen se abría tímidamente al exterior. Aparecía una minoría de artistas que aprovechaban esa pequeña apertura hacia EE.UU. y Europa, para abrirse también a la pintura del exterior. 

Los grandes pintores jóvenes de España estaban al tanto de lo que se hacía en la primera línea de la pintura mundial, a pesar de la dictadura franquista.

El informalismo abstracto europeo. Dau al Set 

El informalismo, nacido en Francia en los años 40, se difunde en Cataluña y el resto de España. Los pintores catalanes de la generación de los años 50, formados en París o con influencia francesa, se agrupan en Dau Al Set.

Desde mediados de los años 1950, Antoni Tapies, después de viajar a París, abandona la figura y se dedica a la pintura, trabajando distintos materiales. Lidera un cambio en la pintura catalana, en el que le siguen sus compañeros de generación, como J. J. Tharrats, Cuixart, Guinovart, Rafols Casamada, Hernández Pijuan.

 

El influjo del arte americano en la abstracción. Equipo 57 y El Paso

En paralelo a los cambios hacia el abstracto en la pintura catalana, se producen cambios similares en la pintura del resto de España. En 1957 nacen El Paso en Madrid y Equipo 57 en París. Sus pintores están influidos por la pintura abstracta europea y norteamericana.

Los pintores abstractos españoles de esta generación suelen adaptar la influencia del expresionismo abstracto a formas autóctonas, con trazos brutales. A veces, con colores contrastados; otras con colores muy oscuros.

Varios de los pintores abstractos de estos momentos se inspiran en el colorido de los pintores abstractos europeos y norteamericanos, como José Guerrero. Algunos artistas, como Antonio Saura, desarrollan una pintura gestual, relacionada con el expresionismo abstracto americano. 

Otros, como Luis Feito o Manolo Millares, se relacionan con el informalismo abstracto americano, con su uso de la materia del cuadro, incluyendo lienzo y bastidor.

El Museo de Arte Abstracto de Cuenca

Referencia esencial en la pintura abstracta española es el Museo de Arte Abstracto de Cuenca, fundado en 1966 por el pintor de origen filipino Fernando Zóbel. 

Fernando Zóbel. El jardín seco. 1969

En aquella época, el Museo cumplió una doble función. Fue catalizador e impulsor de la pintura abstracta española, adquiriendo obras de los artistas contemporáneos españoles. También fué lugar de referencia para los artistas extranjeros. 

Las diferentes formas de abstracción

La exposición muestra diversas maneras de abstracción. Hemos hablado de la pintura informalista de los años 50, con Tàpies, Cuixart o Ràfols Casamada; o la abstracción geométrica de Equipo 57.

También exhibe el juego del color en otros pintores abstractos, inspirados por Rothko, como Ràfols Casamada; o la abstracción óptica-cinética, con Eusebio Sempere.

Eusebio Sempere. Sin título. 1972

JUICIO EN ALICANTE. VISITA AL MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO (1/2). PINTURA ESPAÑOLA

Abril 2021. Juicio por Infracción de Marca en Alicante. ¿Hay Infracción si una marca no se usa? . Tenemos pocos juicios presenciales todavía.

Después del Juicio, visita al Museo de Arte Contemporáneo de Alicante MACA.

La Colección Arte Siglo XX donada por Eusebio Sempere a Alicante es la base del MACA. Joya escondida de Alicante, está situado en el barroco Palacio de la Asegurada, en el barrio antiguo.

La colección Eusebio Sempere tiene, hoy, 177 obras … esculturas, pinturas, dibujos … de los años veinte a los primeros ochenta. Recoge obras de importantes artistas de la modernidad y las vanguardias del S. XX, con especial hincapié en la pintura abstracta española de los años 50 y 60.

Su creador, el pintor y escultor alicantino Eusebio Sempere, deja patente su gran sensibilidad, visión de futuro y voluntad de conservar los nuevos valores estéticos del arte contemporáneo.

Eusebio Sempere – Onil, Alicante 1923 – 1985

Importantes pintores y escultores del S. XX están representados aquí: Picasso, Braque, Juan Gris, Gargallo, Delaunay, Arp, Chagall, Giacometti, Miró, Dalí, Max Ernst, Calder, Bacon, Matta, Vasarely, Rosenquist, Oldenburg, Rivera, Rauschenberg …

Es una colección especialmente rica en escultores y pintores españoles del arte de vanguardia del S. XX, hasta los años 70.

Las fotos que he incluido corresponden a algunos artistas del MACA, pero no a las obras expuestas en el Museo. No dejan tomar fotografías.

PRIMERA PINTURA ABSTRACTA ESPAÑOLA

Los primeros pintores abstractos posteriores a la Guerra Civil.

El catalán Antoni Clavé (Barcelona 1913 – 2005), formado en París y muy influido por el Picasso abstracto. El andaluz José Guerrero (Granada 1914 – 1991 ), también formado en París e influido por la pintura francesa y después influido por el expresionismo abstracto de EE.UU, donde vivió.

El madrileño Pablo Palazuelo (Madrid 1915 – 2007) influido por Klee y por los constructivistas rusos, que conoció en París. Manuel Viola (Zaragoza 1916 – 1987), aragonés exiliado en París, influido por los abstractos franceses y americanos y por la oscura pintura barroca española.

LA PINTURA ABSTRACTA ESPAÑOLA. LA ESCUELA DE CUENCA

Los pintores de la escuela abstracta española de los años 50 y 60, agrupada alrededor del filipino Fernando Zóbel y del Museo de Pintura Abstracta de Cuenca.

Incorporan las tendencias abstractas europeas, el expresionismo de EE.UU y la primera pintura cinética. Entre ellos, destacan Sempere, Mompó, Torner, Zóbel, Rueda, Millares, Saura.

Eusebio Sempere (Onil, Alicante 1923 – 1985), autodidacta, descubre la pintura abstracta en París. Se inclina por una pintura de formas geométricas, siguiendo a Klee, Kandinsky y Mondrian.

Eusebio Sempere – Onil, Alicante 1923 – 1985

Fernando Zobel (1924 – 1984), de origen filipino, combina la influencia del expresionismo abstracto americano, del dripping y de la caligrafía china. Da a sus pinturas una falsa apariencia simple y espontánea. Zóbel fue el creador del Museo de Arte Abstracto de Cuenca.

Gustavo Torner (Cuenca 1925) representa el informalismo en España. Expresa «conceptos», sin referencias figurativas, con gran variedad de materiales y texturas. Los cuadros de Gerardo Rueda (Madrid 1926 – 1996) son pinturas al óleo o collages, abstractos, influido por Klee y Mondrian.

Zobel, Torner y Rueda son parte de la escuela abstracta de Cuenca.

El canario Manuel Millares (Las Palmas 1926 – 1972) realiza sus cuadros abstractos, con sacos agujereados, tela de arpillera y cuerdas en las que pega objetos. Estos materiales son cubiertos con capas chorreantes de pintura.

En la obra de Manuel Hernández Mompó (Valencia 1927 – 1992), el proceso de disolución de la forma, le lleva hacia una pintura abstracta con sugerencias figurativas. La luz mediterránea está presente en su pintura, en la que predominan el blanco y tonos luminosos.

El aragonés Antonio Saura (Huesca 1930 – 1998), también pintor abstracto, empezó con una pintura multicolor, inspirada en el informalismo europeo y el dripping de EE.UU. A partir de los años 60, se concentra en los colores negros y grises. Combina esas tendencias con la influencia de colores de la pintura barroca española.

DAU AL SET Y LA ESCUELA CATALANA DE PINTORES ABSTRACTOS DE LOS AÑOS 50 Y 60

El MACA tiene una buena colección de pintores catalanes contemporáneos. Desde el precursor Antoni Clavé, de influencia francesa, hasta los expresionistas abstractos de Dau al Set: Tàpies, Ràfols Casamada, Guinovart o Hernández Pijuan.

Antoni Tàpies – Barcelona 1923 – 2012

Liderados por Tàpies, los pintores de la escuela catalana, agrupados en el Grupo Dau al Set, evolucionan desde el arte abstracto europeo, en la línea del expresionismo abstracto de origen estadounidense.

Antoni Tàpies (Barcelona 1923 – 2012) creó un estilo propio en la vanguardia del S XX. Combinaba el estilo abstracto con el simbolismo. Crea sus obras con materiales diversos, pegados a sus pinturas. Mezcla pinturas tradicionales con arena, ropa, paja, usando técnicas de collage.

La pintura de Albert Ràfols Casamada ( Barcelona 1923 – 2009) combina una pintura de campos lisos de fajas de colores, con inclusión de elementos geométricos como cuadrículas, que sugieren una atmósfera mágica. Está muy influido por el informalismo.

Josep Guinovart ( Barcelona 1927 – 2007) pinta unos cuadros, con una doble influencia cubista / geométrica francesa y expresionista de influencia americana.

Joan Hernández Pijuan – Barcelona 1931 – 2005

Joan Hernández Pijuan (Barcelona 1931 – 2005), algo más joven, sigue en la línea de los anteriores. Usa fondos y campos lisos de fajas de colores, entre la abstracción y el informalismo.

PINTURA POST-ABSTRACTA

El MACA tiene buena representación, también, de la pintura de los años del desarrollo, de estilos muy distintos … Feito, Lucio Muñoz, Canogar, Genovés o Equipo Crónica.

El arte abstracto, de influencia expresionista abstracta, con tendencia al collage y la pintura matérica, sigue en pintores como Luis Feito o Lucio Muñoz.

A partir de los años 60, la pintura española de vanguardia abandona el abstracto y el expresionismo. Realizan formas pictóricas «realistas», casi fotográficas. Primero, pinturas de denuncia social, que recuerdan fotografías de periódico, por sus imágenes y colores.

El cambio de planteamiento se inicia con los «periféricos» Rafael Canogar (Toledo 1932) o Juan Genovés (Valencia 1930).

Pronto, la pintura de denuncia social es sustituida por el arte de sátira social, muy influido por el pop-art. Es la época de los valencianos de Equipo Crónica, también periféricos.

Equipo Crónica. – Manolo Valdés – Valencia 1942 y Rafael Solbes – Valencia 1940

EL INFANTE D. LUIS DE BORBÓN. BOCCHERINI Y GOYA (3/3)

FRANCISCO DE GOYA

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Francisco de Goya. Autorretrato. 1797. Museo Goya. Castres

Goya y la familia del Infante D. Luis

Francisco de Goya había trabajado para la nobleza ilustrada y reformista aragonesa en Zaragoza. Fue a Madrid, atraído por los reformistas del «partido aragonés», importantes en la Corte de Carlos III.
El «partido aragonés» puso en contacto a Goya con la esposa de D. Luis, de familia noble e ilustrada aragonesa.

En 1784, Goya se instaló en Arenas de San Pedro, invitado por D. Luis. Allí pintó dos retratos del Infante y su esposa. La prueba agradó al matrimonio, que le encargaron la famosa pintura “El Infante Don Luis y su familia”, fechada hacia 1784. 

Francisco de Goya. La familia del Infante Don Luis de Borbón. 1784. Fundación Magnani Rocca. Mamiano di Traversetelo

Goya y los hijos del Infante D. Luis

La relación siguió, entre Goya y la familia de Borbón y Vallabriga. También pintó un retrato del heredero D. Luis niño, en el Palacio de la Mosquera. Le volvió a pintar, posteriormente, cuando ya era Cardenal Arzobispo de Toledo. 

Francisco de Goya. Retrato del Cardenal Arzobispo D. Luis de Borbón. 1800. Museo de Arte de Sao Paulo

Goya retrató, así mismo, a la hija mayor, Dña. María Teresa de Borbón y Vallabriga, como niña. La hemos visto antes.

Francisco de Goya. Retrato de la Condesa de Chinchón. 1800. Museo del Prado

La volvió a pintar más tarde, cuando ya era Condesa de Chinchón y esposa de Manuel Godoy, Primer Ministro de Carlos IV, que era sobrino del Infante, ya fallecido entonces.  

El mecenazgo de los Duques de Osuna, ilustrados y reformistas

Francisco de Goya compartió con Boccherini el mecenazgo de Dña. María Josefa Pimentel y su esposo. Primero, la retrató a ella, en la pintura que hemos visto más arriba. Después, en 1788, pintó el cuadro “Los Duques de Osuna y sus hijos”.

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Francisco de Goya. Los Duques de Osuna y sus hijos. 1788. Museo del Prado

Más tarde, pintaría a dos de las hijas, ya casadas con otros dos de los aristócratas liberales, opuestos al absolutismo de Fernando VII.

EL INFANTE DON LUIS DE BORBÓN, BOCHERINI Y GOYA (1/3). UN INFANTE PROSCRITO

D. LUIS DE BORBÓN, INFANTE PROSCRITO

D. Luis Antonio de Borbón y Farnesio (Madrid 1727 – Arenas de San Pedro 1785), Infante de España, hijo, hermano y tío de reyes, fue un personaje de tercera fila de la historia política de su tiempo. En cambio, tuvo un importante papel, en el desarrollo de la cultura ilustrada en nuestro país. 

Van Loo. Infante Don Luis de Borbón, Arzobispo de Toledo. 1737. Museo del Prado

Hijo de Felipe V, fue Arzobispo de Sevilla y de Toledo y Primado de España y cardenal. Pero, sin vocación, abandonó la carrera eclesiástica, convirtiéndose en Conde de Chinchón. Fue un importante mecenas de Francisco de Goya y de Luigi Boccherini.

Anton Raphael Mengs. D. Luis de Borbón, Infante de España. 1769. Museum of Art. San Diego

En 1754, el Rey Fernando VI, su hermanastro y el Papa aceptaron la renuncia del Infante a su carrera eclesiástica. En 1761, D. Luis compró el Condado de Chinchón a su hermano Felipe y se fue a vivir a Boadilla del Monte, cerca de Madrid, donde encargó al gran arquitecto neoclásico Ventura Rodríguez el famoso palacio. Allí pudo dedicarse a sus aficiones: la caza y el cultivo de las artes, las letras y las ciencias.

MATRIMONIO CON UNA ARISTÓCRATA DE LA NOBLEZA ILUSTRADA ARAGONESA

En 1776 el Infante se casó con Dña. María Teresa de Vallabriga y Rozas, aristócrata de familia aragonesa. 

Francisco de Goya. D. Luis de Borbón y Dña. María Teresa de Vallabriga. 1784. Fundación Magnani Rocca. Parma

En aquel momento, la nobleza ilustrada reformista aragonesa, agrupada en el “partido aragonés”, tenía peso importante en el gobierno de España. Así, el Conde de Aranda era Presidente del Consejo de Castilla (equivalente a Primer Ministro) y D. Manuel Roda Secretario (ministro) de Gracia y Justicia; D. Luis de Vallabriga, padre de María Teresa, era un alto cargo en la Corte de Carlos III. 

Hijos que siguen la tradición ilustrada y liberal 

D. Luis de Borbón y Dña. María Teresa tuvieron tres hijos.  Los dos mayores fueron retratados por Goya, de niños y adultos, años después.

Francisco de Goya. Retrato de D. Luis María de Borbón Vallabriga, niño. 1783. Museo de Zaragoza

D. Luis María de Borbón (1777–1823) fue también Arzobispo de Toledo y Cardenal. Opuesto a la invasión francesa, ilustrado y liberal, fue Presidente de la Regencia instaurada por las Cortes de Cádiz en 1808. Restaurada la monarquía absoluta por su primo Fernando VII, fue destituido como Arzobispo. 

Francisco de Goya. Dña. María Teresa de Borbón y Vallabriga. 1783. National Gallery of Art. Washington

Dña. María Teresa de Borbón (1780–1828). Heredó el título de Condesa de Chinchón; además, fue Marquesa de Boadilla del Monte. Fue la esposa de Manuel de Godoy, Primer Ministro de Carlos IV. Quizá la más famosa de los tres hijos, por haber estado casada con Godoy y por el retrato que pintó Goya, siendo ella adulta.

D. LUIS, INFANTE ILUSTRADO Y MECENAS. BOCCHERINI Y GOYA

FInalmente, en 1779, el Infante y su familia se instalaron, en Arenas de San Pedro. Allí D. Luis encargó a Ventura Rodríguez la construcción del Palacio de la Mosquera, donde se instalaron y se rodearon de una pequeña corte ilustrada de intelectuales, como el compositor Luigi Boccherini o Francisco de Goya.

El “ilustrado” D. Luis, interesado por el Arte, la Historia y la Ciencia, además de mecenas era coleccionista. Reunió en el Palacio de Arenas una buena colección de pinturas, estampas y dibujos, un completo gabinete de Historia Natural y una espléndida biblioteca. También era amante de la música europea. 

El Infante D. Luis es conocido, sobre todo, por su mecenazgo de Luigi Boccherini y Francisco de Goya. Atrajo a su corte provinciana y familiar al músico italiano, donde compuso gran parte de sus famosos cuartetos y quintetos. También contrató al pintor aragonés, que le retrató a él y a su familia. Lo desarrollaré en próximos blogs.

REYES 2020. FIGUERES, BESALÚ Y OLOT (2/2)

Fin de semana de Reyes de 2020. Visita a Olot, pasando por Figueres y Besalú. Literatura, gastronomía, románico, música de Bach, paisajes, santos, camintas y poesía.

OLOT. SANTOS Y PAISAJES

Los Vayreda

La familia Vayreda dominó la Comarca de la Garrotxa, en el último tercio del S XIX y primero del S XX; sigue siendo una institución viva en Olot. Los Vayreda, terratenientes, nobles y carlistas, fueron también emprendedores, empresarios y artistas y grandes mecenas culturales.

A finales del S XIX, los hermanos Joaquim y Marià Vayreda contribuyeron al desarrollo industrial y cultural de Olot y La Garrotxa, de forma decisiva. Fueron el alma de la Escuela de Olot de pintura paisajista, además de promotores industriales y urbanísticos. Entrado el S XX, Francesc adaptó el paisajismo impresionista de sus antecesores al fauvismo.

El paisajismo. La escuela de Olot

Visitamos el Museu de la Garrotxa, que tiene una importante colección de pinturas paisajísticas de la “Escuela de Olot” de finales del S XIX y principios del S XX. 

Olot es el origen de la familia Vayreda, que transformó la vida social y cultural de la Garrotxa y, en gran parte, de Cataluña. Joaquim y Marian Vayreda eran miembros de una familia de propietarios rurales nobles. Se educaron en la tradición artística de Olot y pasaron temporadas formándose como pintores en Francia. 

Supieron desarrollar un nuevo paisajismo catalán, que combinaba la tradición artística de Olot con el nuevo paisajismo plein-air de la Escuela de Barbizon.

Se creó así la Escuela de Olot de paisaje, que duró desde finales del S XIX hasta bien entrado el S XX. Hacia los años 1920, Francesc adaptó el paisajismo impresionista de sus antecesores al fauvismo.

Pesebres y santos. El Arte Cristiano

El Museu dels Sants muestra la historia de la tradición “artístico-industrial” de Olot: la manufactura de “sants”. Está situado en la antigua fábrica modernista de estatuas «El Arte Cristiano», fundada por los Vayreda hacia 1870.

El origen de la fabricación de «santos» en Olot están en los talleres de figuritas de pesebre a finales del S XVIII.  Carlos III Rey de España, antes Rey de las Dos Sicilias, importó la tradición napolitana de los belenes. Su construcción se desarrolló en Murcia y la España mediterránea. 

A principios del S XIX, huyendo de la invasión francesa de Barcelona, Ramón Amadeu se refugia en Olot. Crea un estilo de escultura pesebrista, de tipología local, ya no italiana. 

Alrededor del pesebrismo crece la Escuela de Artes y Oficios. A finales de los años 1870, los hermanos Vayreda idean un gran taller, dedicado a la imaginería religiosa, como los que existían en París. Nace así “El Arte Cristiano”.

En pocos años, se abren más de 40 talleres de “santos” en Olot, con más de mil trabajadores. Se convierte en una industria, que se adapta a las devociones religiosas de toda España y del mundo.

FAGEDA, VOLCANES Y MARAGALL 

Los volcanes

La Garrotxa es comarca de volcanes. Por ejemplo, hay 23 alrededor de Olot. 

La Zona Volcánica de Olot es el más extenso paisaje volcánico de España.

Tiene unos cuarenta conos volcánicos y más de 20  coladas basálticas. Por la orografía, el suelo y el clima, la vegetación es variada y abundante: encinas, robles, hayas … 

Los vimos por todas partes, aunque no subimos a ninguno en este viaje. 

La Fageda d’En Jordà 

Paseamos desde Olot hasta la Fageda d’En Jordà: el hayedo más meridional de Europa. Es un bosque de hayas excepcional, porque crece en terreno llano y sobre una colada de lava procedente del volcán del Croscat. 

La poesía de Maragall sobre la Fageda

Acabamos el viaje con una referencia literaria, igual que lo empezamos. La famosa poesía de Joan Maragall: “La Fageda d’En Jordà”:

Saps on és la fageda d’en Jordà?

Si vas pels vols d’Olot, amunt del pla,

trobaràs un indret verd i profond

com mai cap més n’hagis trobat al món:

un verd com d’aigua endins, profond i clar;

el verd de la fageda d’en Jordà.

El caminant, quan entra en aquest lloc,

comença a caminar-hi a poc a poc;

compta els seus passos en la gran quietud:

s’atura, i no sent res, i està perdut.

Li agafa un dolç oblit de tot lo món

en el silenci d’aquell lloc profond,

i no pensa en sortir, o hi pensa en va:

és pres de la fageda d’en Jordà,

presoner del silenci i la verdor.

Oh companyia! Oh deslliurant presó!

VALENCIA ILUSTRADA (5) Goya y Sorolla

Valencia volvió a ser importante, en los dos momentos contemporáneos de recuperación económica, social y cultural de España: los pasos del S XVIII al S XIX y del S XIX al S XX. Ambos momentos están representados en el Museo de Bellas Artes por dos grandes pintores.

GOYA

El Museo de San Pío V tiene una buena colección de «goyas». Quizá la mejor, después del Museo del Prado.

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Goya pasó tiempo en Valencia, a finales del S XVIII, y retrató a la aristocracia liberal y la nueva burguesía, su público favorito.

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SOROLLA 

Joaquín Sorolla, uno de los grandes pintores españoles de inspiración impresionista, era valenciano. Autor prolífico y con intereses variados, pintó desde retratos hasta paisajes, de muy diferentes lugares.

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El Museo tiene un poco de todo. Me fijé más en los paisajes.

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Curiosamente, el «mediterráneo» Sorolla, considerado eñ «pintor de la luz» tiene muchos paisajes de Castilla y del Norte de España, donde pasó largas temporadas.

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VALENCIA, DEL GÓTICO AL MODERNISMO (2/3). Comercio con Italia y Renacimiento

En el S XV, Valencia se convierte en la puerta de entrada de la Corona de Aragón hacia Italia y viceversa. Los comerciantes «exportan» productos, funcionarios y soldados hispánicos. Mientras, los reyes Trastamara de Aragón y Cataluña (desde Nápoles y Sicilia), y los valencianos papas Borja (desde Roma) «importan» obras de arte y pintores y arquitectos italianos, que se instalan en Valencia.

En la primera mitad del S XVI, el Renacimiento se sigue desarrollando en Valencia. Palacios señoriales, iglesias con claustros clásicos …

El Carrer Cavallers y muchas de las pequeñas plazas del Barri del Carme se llenan de palacios de estilo romano o toscano.

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Palacio del Carrer Cavallers

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Palau Borja

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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Museo de Arte Contemporáneo de Alicante MACA Eusebio Sempere

La Colección Arte Siglo XX donada por Eusebio Sempere a Alicante es la base del Museo de Arte Contemporáneo de Alicante MACA Eusebio Sempere. El MACA, joya escondida de Alicante, está situado en el barroco Palacio de la Asegurada, en el barrio antiguo.

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La colección Eusebio Sempere tiene, hoy, 177 obras … esculturas, pinturas, dibujos … de los años veinte a los primeros ochenta. Recoge obras de importantes artistas de la modernidad y las vanguardias del S. XX, con especial hincapié en la pintura abstracta española de los años 50 y 60.

Su creador, el pintor y escultor alicantino Eusebio Sempere, deja patente su gran sensibilidad, visión de futuro y voluntad de conservar los nuevos valores estéticos del arte contemporáneo.

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Importantes pintores y escultores del S. XX están representados aquí: Picasso, Braque,  Juan Gris, Gargallo, Delaunay, Arp, Chagall, Giacometti, Miró, Dalí, Max Ernst, Calder, Bacon, Matta, Vasarely, Rosenquist, Oldenburg, Rivera, Rauschenberg …

Es una colección especialmente rica en escultores y pintores españoles del arte de vanguardia del S. XX, hasta los años 70.

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